Справочник авторов антикварного салона Русский модерн

     Богемское стекло

     Термин «богемское стекло» уже давно стал синонимом качественной посуды эксклюзивного уровня. История этого прославленного стекольного производства берёт своё начало в далёком XI веке, когда Королевство Богемия славилось своими мастерами-стеклодувами. Огромную роль в развитии стекольной промышленности Богемии сыграли богатые прииски калия и известняка, находившиеся на территории королевства, — именно из этих материалов производилось первое богемское стекло, отличавшееся кристальной чистотой и оригинальными тёплыми оттенками.

     Искусство стекольного производства королевства долгое время хранилось в строжайшей тайне. Секреты мастерства передавались из поколения в поколение и таким образом дошли и до нашего времени. Даже после распада королевства и образования Чешской республики на его территории производство богемского стекла не остановилось, напротив, оно продолжает развиваться, сохраняя вековые традиции.

     Во времена королевства богемским стеклом могли пользоваться только высокопоставленные чиновники. Изящные вазы потрясающих форм и размеров, искусные графины удивительных конфигураций, столовая посуда кристальной чистоты — всё это зачастую появляется на наших столах в праздничные вечера. Чешский фарфор всегда считался роскошью, особенно если он был украшен ручной росписью.

     Сегодня чешская посуда производится во всевозможных стилистических исполнениях — это и вечная классика, и роскошный ампир, и даже модерн и готика. Но, независимо от стиля и цвета, посуда из богемского стекла всегда будет актуально смотреться в любом интерьере, сохраняя свою репутацию эталона качества и изысканного вкуса.

   Нина Александровна Виноградова-Бенуа-художник-график, сценограф, искусствовед, исследователь русского костюма.

  Нина Александровна родилась 15 июля 1936 года в Ленинграде в семье, принадлежавшей к цвету русской художественной и архитектурной интеллигенции .

 Нина Александровна была прямым потомком прославленной династии Бенуа, что впоследствии отразилось и в её двойной фамилии. В их числе: Николай Леонтьевич Бенуа (1813–1898) — главный архитектор Петергофа (прапрадед). Леонтий Николаевич Бенуа (1856–1928) — архитектор, ректор Академии художеств (прадед). Альберт Катеринович Кавос (1800–1863) — академик архитектуры, создатель Мариинского театра. Зинаида Евгеньевна Серебрякова — художница (троюродная бабка) .

В 1941 году, во время войны, Нина вместе с сестрой была эвакуирована в Узбекистан. После снятия блокады в 1944 году вернулась в Ленинград, окончила школу с золотой медалью и поступила на искусствоведческое отделение исторического факультета ЛГУ . В 1956 году вышла замуж за художника Илью Сергеевича Глазунова . В 1957 году, окончив университет, переехала с мужем в Москву, где поступила в Полиграфический институт на отделение графики, который успешно окончила .

 Работала в техниках линогравюры и акварели, оформляла книги, писала акварельные натюрморты. Нина Александровна была глубоким исследователем истории русского костюма. Её фундаментальный труд «Русский костюм» был издан в 1987 году, уже после её смерти . По её акварелям в 1969 и 1971 годах издательство «Изобразительное искусство» выпустило знаменитые серии открыток «Русский головной убор» .

   В конце 1970-х — 1980-е годы вместе с И.С. Глазуновым работала над эскизами костюмов и декораций для ведущих оперных сцен мира . Среди её работ:«Князь Игорь» (1980, Немецкая государственная опера, Берлин), «Маскарад» (1981, Одесский академический театр оперы и балета), «Пиковая дама» (1982, Берлин), «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1983, Государственный академический Большой театр СССР) — эскизы костюмов к этой постановке хранятся в Театральном музее им. Бахрушина.

     Французский скульптор, мастер камерной и монументальной пластики. Представитель академического направления середины XIX века.

     Анри Даниель Дюкомен дю Локль родился в 1804 году в городе Нанте — одном из крупных культурных центров Западной Франции. Свои первые работы он представил на престижном Парижском Салоне в 1839 году. Уже в 1841 году он был удостоен специальной награды, что стало признанием его таланта и открыло путь к дальнейшей успешной карьере.

     В 1840–1860-е годы Дюкомен дю Локль получил множество престижных заказов.Среди его наиболее значительных работ — скульптура для фонтана Королевской площади в Нанте, 1865 год. Это монументальное произведение стало важной частью городского ансамбля родного города скульптора и свидетельством его высокого мастерства.

     Творчество Дюкомена дю Локля развивалось в русле академической традиции французской скульптуры середины XIX века. 

Его произведения, как камерные, так и монументальные, были востребованы как государственными учреждениями, так и частными заказчиками.

     Анри Даниель Дюкомен дю Локль скончался в 1884 году, оставив после себя значительное наследие. Его работы хранятся в музейных собраниях Франции и других стран, а скульптуры для фонтана Королевской площади в Нанте до сих пор украшают город.

      Льенар родился в 1842 году. 

      Художник прославился своими бронзовыми скульптурными группами, изображающими сцены охоты. Его работы отличаются реалистичностью, вниманием к деталям и умением передать анатомию животных .

      Помимо скульптуры, Льенар также работал как живописец. Известна его картина 1896 года «Прохожие на улице Гобеленов, на берегу Бьевр, в квартале дубильщиков».

    Мажорель Луи-Жан-Сильвестр (Louis Majorelle) (1859–1926)

     Луи-Жан-Сильвестр Мажорель, более известный просто как Луи Мажорель, — один из самых выдающихся французских дизайнеров мебели в стиле модерн, талантливый декоратор и промышленник. Он был безусловным лидером и одним из вице-президентов «Школы Нанси», объединения художников и мастеров, прославивших Лотарингию на весь мир.

     В 1880-х годах Мажорель начинал с производства мебели в стиле Людовика XV. Однако после знакомства с творчеством великого Эмиля Галле, а также под впечатлением от его изделий из стекла и мебели, Мажорель радикально изменил направление своей работы. В 1894 году он представил на выставке в Нанси первые образцы мебели в новом, «растительном» стиле.

     Начиная с 1890-х годов, Мажорель, богато украшенная инкрустациями, черпала вдохновение непосредственно у природы: плавные линии стеблей растений, листья водяных лилий, усики и стрекозы превращались в изящные формы его кресел, столов и шкафов. Он первым начал использовать для каркасов мебели ценные породы дерева — красное дерево и макассар, которые сами по себе были красивы и не требовали облицовки.

     Настоящий триумф ждал Мажореля на Всемирной выставке 1900 года в Париже. Его изделия завоевали множество призов и привлекли внимание международной клиентуры, сделав его имя известным далеко за пределами Франции.

     В феврале 1901 года Мажорель стал одним из членов-учредителей «Школы Нанси». Это объединение художников, архитекторов и промышленников Лотарингии, возглавляемое сначала Галле, а после его смерти в 1904 году — Виктором Пруве, стремилось к синтезу искусств и внедрению высокохудожественного дизайна в повседневную жизнь. Именно Мажорель был признанным лидером группы на всём протяжении её существования.

     Завод фирмы Мажорель, спроектированный известным   архитектором Люсьеном  Вессенбургером, находился в западной части Нанси. К 1910 году Мажорель открыл магазины своей мебели не только в Нанси, но и в Париже, Лионе, Лилле, став крупным и уважаемым предпринимателем.

     Луи Мажорель скончался в 1926 году. Мебель Луи Мажореля, олицетворяющая элегантность и новаторство стиля модерн, сегодня является украшением крупнейших музеев и высоко ценится коллекционерами во всём мире.

      Альфонс Муха (Alfons Mucha) (1860–1939)

     Чешский живописец, график, дизайнер, иллюстратор. Один из главных представителей стиля ар-нуво.

      Альфонс Мария Муха родился 24 июля 1860 года в городе Иванчице. Его певческий голос позволил ему получить образование в гимназии в Брно, а затем продолжить обучение в Вене. Однако после того, как семейный театр, где он работал декоратором, сгорел, Муха переехал в Мюнхен, а затем в Париж.

     В Париже Муха учился в Академии Жюлиана и Академии Коларосси. Он  зарабатывал на жизнь иллюстрациями для журналов и рекламной графикой. Поворотным моментом стала его работа для великой актрисы Сары Бернар.

     В 1894 году, в канун Рождества, Муха срочно создал афишу для спектакля «Жисмонда» (Gismonda) в театре «Ренессанс», где играла Сара Бернар. Афиша произвела фурор. Её необычный стиль — длинный, узкий формат, жизнерадостные цвета, натуралистичное изображение актрисы в окружении декоративных мозаичных арок — стал сенсацией. Муха подписал с Сарой Бернар шестилетний контракт, создав для неё афиши к спектаклям «Дама с камелиями», «Лорензаччо», «Медея» и другим. Стиль, созданный Мухой, стал эталоном ар-нуво.

     Муха работал не только в области афиши. Он создавал знаменитые серии «Времена года», «Искусства», «Камни», «Цветы», эскизы для парижского ювелира Жоржа Фуке.

В 1910 году Муха вернулся в Чехию, чтобы посвятить себя главному труду своей жизни — циклу монументальных полотен «Славянская эпопея» (Slovanská epopej) . Это 20 огромных картин, изображающих ключевые моменты истории славянских народов. Муха работал над этим проектом 18 лет (1910–1928) и передал его городу Праге.

     В 1930-е годы, с приходом фашизма, работы Мухи были объявлены «дегенеративным искусством». Он скончался 14 июля 1939 года в Праге, через несколько месяцев после оккупации Чехословакии нацистами.

     Сегодня Альфонс Муха признан одним из величайших художников рубежа XIX–XX веков. Его работы хранятся в крупнейших музеях мира.

     Алиса Нордин (Alice Nordin) (1871–1948)

     Шведская скульптор, художник-керамист, дизайнер. Одна из ключевых фигур шведского модерна  и национального романтизма.

Алиса Нордин родилась 12 мая 1871 года в Стокгольме в творческой семье. Её отец, Карл Нордин, был художником, а сестра, Элин Нордин (Elin Nordin), также стала художницей.

     С 1890 по 1895 год Алиса училась в Технической школе (Tekniska skolan) , а затем в Королевской академии свободных искусств (Kungliga Akademien för de fria konsterna) в Стокгольме. Она была одной из первых женщин, получивших полноценное академическое художественное образование в Швеции. В 1898 году она отправилась в Париж, где продолжила обучение и попала под влияние французского ар-нуво, что оказало огромное влияние на её стиль.

     Вернувшись в Швецию, Нордин стала одной из ведущих фигур шведского модерна (Jugendstil). Её творческий диапазон был необычайно широк.

     Она создавала монументальные и камерные скульптуры, часто из бронзы, гипса, мрамора, работала в жанре портрета и аллегорической фигуры. Её скульптуры отличаются плавными линиями, одухотворённостью и вниманием к деталям. Нордин сотрудничала с ведущими шведскими производителями, такими как Rörstrand, для которых создавала эскизы ваз, посуды и керамической скульптуры. Её керамические работы часто имели обтекаемые, природные формы. Она также работала с серебром, создавая изысканные украшения в стиле модерн. Нордин проектировала мебель и интерьеры, стремясь к целостности художественного пространства.

     Одним из важнейших эпизодов её карьеры стало сотрудничество с лучшей шведской фабрикой художественной бронзы «BOEHL MARKS» (1872–1933) в Стокгольме. Она создавала для фабрики модели осветительных приборов - люстр, бра, канделябров, а также скульптурных композиций. Её работы, отлитые в бронзе на этой фабрике, отличаются высочайшим качеством и изысканным дизайном.

     Алиса Нордин стала первой женщиной, удостоенной звания профессора скульптуры в Швеции в 1921 году. Она активно участвовала в художественной жизни, выставлялась на крупных выставках, включая Всемирную выставку в Париже в 1900 и Стокгольмскую выставку  в 1897, 1909гг. Её работы приобретались для национальных музеев Швеции, включая Национальный музей (Nationalmuseum) в Стокгольме.

     Алиса Нордин скончалась 14 декабря 1948 года в Стокгольме. Её творческое наследие остаётся важной частью шведского культурного достояния, а её работы продолжают экспонироваться в музеях и высоко цениться на антикварном рынке.

   Иван Андреевич Пелевин родился предположительно в Санкт-Петербурге в 1840 году и скончался в Петрограде в 1917 году, прожив долгую творческую жизнь, охватившую вторую половину XIX — начало XX века.

   С 1856 по 1862 год он обучался в Императорской Академии художеств , которую окончил со званием неклассного  художника 3-й степени. Уже через несколько лет, в 1869 году, за свои достижения он был удостоен почётного звания академика живописи, что свидетельствует о быстром признании его таланта.

   Пелевин работал преимущественно в жанровой живописи, став одним из тех мастеров, кто с теплотой и вниманием запечатлевал сцены деревенского быта. Его кисти принадлежат также несколько исторических полотен, однако основу его наследия составляют именно образы крестьянской жизни, народные типы и сцены, что сближает его с традициями передвижников. Помимо живописной практики, с конца 1860-х годов художник трудился в мозаичном отделении Императорской Академии художеств, участвуя в создании монументальных произведений для храмов и официальных зданий.

   Иван Пелевин был постоянным участником главных художественных форумов своего времени. Его работы можно было видеть на академических выставках в 1864–1890 годах. Он также экспонировался на выставках Товарищества передвижных художественных выставок в 1874 году, что говорит о его близости к идейным исканиям демократического искусства.Талант художника был признан и на международном уровне. Он участвовал во Всемирных выставках в Лондоне 1872 и Париже 1878, где его произведения были представлены широкой европейской публике.

   Произведения И.А. Пелевина хранятся в крупнейших музейных собраниях, включая Государственную Третьяковскую галерею и Государственный Русский музей, что является безусловным подтверждением его вклада в русское искусство.